Shutter (2004)

(Están entre nosotros)

Dirigida por Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom

Escrita por Banjong Pisanthanakun, Sopon Sukdapisit y Parkpoom Wongpoom

Con Ananda Everingham y Natthaweeranuch Thongmee

Música de Chartchai Pongrapapan

GMM Grammy

Tailandia, 2004

97 minutos

Mis estimados exploradores del celuloide prohibido, hoy viajaremos por primera vez a Asia la Obscura, Asia la Terrible; que ha despertado la fascinación del mundo occidental durante siglos, evocando la fuerza de sus inmemoriales orígenes, siempre misteriosa, vasta, latente. Tailandia será nuestra primera parada, donde nos encontraremos con una película aterradora, joya de la cinematografía oriental. Acompáñame al mundo fantasmagórico de Shutter, querido lector, y entrégate una vez más a los placeres de la obscuridad.

¿Qué hay más allá de la tumba? Prácticamente todas las tradiciones religiosas del mundo se lo han preguntado. Paraísos, infiernos, limbos... de todo había en la fértil imaginación de la humanidad. Sin embargo, nos decían, a veces las almas de los que se han ido no se van del todo, merodean en este mundo de los vivos buscando resolver asuntos pendientes, prolongando rencores o simplemente espantando a los incautos. Existen brechas, pensaban algunos, rasgaduras en el telón de la realidad de donde salían entidades poco placenteras de observar e imposibles de comprender. Shutter nos sumerge en un mundo lleno de fantasmas, apariciones que están en todos lados, en cada esquina, en el rabillo del ojo o en desafortunadas fotografías.

Incómoda de ver, cuando menos.

Cuando Tun (Ananda Everingham) y su novia Jane (Natthaweeranuch Thongmee) atropellan a una misteriosa mujer regresando de una farra con sus cuates, verán su vida sumergirse en un abismo insondeable de obscuridad y locura. Fotógrafo el, empieza a captar en sus imágenes la presencia de macabros espíritus, que se manifiestan cada vez con mayor intensidad y desvelarán una historia del pasado... una historia de traición y muerte. Shutter se construye con un guión sencillo pero que no carece de sorpresas y emoción, dando giros y piruetas que revelarán el verdadero yo de nuestros protagonistas y que nos entregan un final inolvidable, terrible. Una historia de fantasmas muy ortodoxa es la que nos presenta esta película tailandesa, realizada en base a la tradición que establecieron otras ya legendarias producciones orientales como Ringu y JuOn; eminentemente verdiazul en su fotografía, personajes melancólicos, flashbacks recurrentes y, viva el gótico, muy poca o nula violencia. Sin embargo, Shutter no carece para nada de su propio swing y consigue dotarse de una personalidad propia que le ha valido una excelente reputación entre los críticos y desde luego, oh fatalidad, un vomitable y por lo más prescindible remake hollywoodense. Pero no cambiemos tan drásticamente de continente, y remarquemos simplemente que estamos ante una obra que consigue helar la sangre desde los primeros minutos. Así es amigos, hasta su ya-muy-curtido narrador tembló de miedo la primera vez que la vió.

Una de las cosas más admirables de Shutter es su cuidadísima producción. Los directores nos muestran que para contar una historia que realmente pueda sumergir al público en un mood terrorífico, se tiene que tener un conocimiento profundo de la psique humana, de lo débil de nuestra voluntad y la fragilidad de lo que, cómodamente, llamamos "realidad". Los personajes están construidos de manera tal que nos envuelven en su vida y hacen que, cuando se encuentran en situaciones de peligro, del otro lado de la pantalla se desgarren nervios y se estremezcan los valientes. Mediante un trabajo de cámaras realmente brillante, un extraordinario trabajo de maquillaje y efectos digitales muy discretos, la película se baña de una atmósfera sobrenatural que llega a ser muy creíble. Balance es lo que tiene muchísimo esta película, nunca se precipita y no cae en la vulgaridad del gore o el abuso del sobresalto. Shutter se cimienta en la confianza al público, en que el espectador construya el tercer elemento nefasto, a gusto y voluntad, hasta que poco a poco se nos va revelando la verdad oculta detrás de lo que un narrador, que se antoja poco confiable, nos decanta de su experiencia personal; acompañando su historia con un score muy profundo, muy pianístico, triste y desolador. Una película, en fin, que no insulta la inteligencia de quien la mira y no pretende mas que hacernos pasar un buen rato de frío e inseguridad. Esto se consigue cuando hay artistas detrás de un proyecto y no solo yanquis-vampiros-devoradores taquilleros que suelen llevar el nombre de Michael Bay. Ejém.

A todos se les ha "trepado el muerto", pero esto es demasiado.

Espero, queridos lectores, que nuestra reseña de hoy los haya dejado con ganas de ver una buena película obscura como esta que, dicho sea de paso, es muy fácil de conseguir en buenas, bonitas y baratas ediciones. Con la mejor época del año a la vuelta de la esquina (Día de Muertos-Halloween), hay que darse el tiempo de ver Shutter, que por ser una película sumamente escalofriante, fría, plausible y deliciosamente oriental, ¡Susto! y Aparte la despide hoy con cinco fotográficos diablos, que ningún fan del género puede permitirse no corroborar:

The Call Of Cthulhu

(El Llamado de Cthulhu)

Dirigida por Andrew Leman

Escrita por Sean Branney (basado en la historia de H. P. Lovecraft)

Con Matt Foyer y John Bolen

Música de Troy Sterling Nies, Ben Holbrook, Nicholas Pavkovic y Chad Fifer

Howard Philip Lovecraft Historical Society Motion Pictures

Estados Unidos, 2005

47 minutos

"La cosa más misericorde el mundo es, creo yo, la incapacidad de la mente humana de correlacionar todo su contenido. Vivimos en una plácida isla de ignorancia entre negros mares infinitos, y no se supone que viajemos lejos. Las ciencias, cada una tendiendo a su propia dirección, nos han hecho poco daño; pero algún día el unir fragmentos disociados de conocimiento abrirá panoramas de la realidad tan aterradores, y de nuestra temible posición en ellos, que o nos volveremos locos por la revelación o huiremos de la luz mortal hacia la paz y seguridad de una nueva edad obscura."

Con este ominoso párrafo comienza el célebre cuento The Call Of Cthulhu, escrito por el maestro del terror H. P. Lovecraft en 1926; mismo que, amigos míos, resume a la perfección el espíritu del corpus literario del genio de Nueva Inglaterra: el terror naciente de la incomprensión, de lo limitado de la mente humana ante la infinidad del universo, de un universo que le es completamente ajeno. En su obra confluye toda una serie de seres sobrenaturales, fuera de toda realidad medible y estudiada, un grotesco panteón de entidades cuya sola voluntad puede moldear las más firmes estructuras de la existencia; y todo aquel lo suficientemente sabio para verlo o entenderlo, perderá la razón, en el mejor de los casos. No hay héroes en Howard Philip Lovecraft. Fundamental para todo aficionado al terror o al gran arte en general, la narrativa de este autor sólo se ve precedida bajo nombres como Edgar Allan Poe o Ernst Theodor Hoffmann. Si nunca han leído algún cuento de su autoría, no tienen idea de lo que se están perdiendo... aterrador no alcanzaría para describirlo. Pero bueno, después de esta introducción, vámonos a lo que aquí nos reúne.

Ésta producción independiente de 2005 tuvo como eje dos ideas básicas: realizar la más fiel interpretación cinematográfica hasta la fecha de un cuento de Lovecraft (recordemos que la película fue producida por la misma Sociedad Histórica HPL), y hacerlo como se hubiera hecho en el mismo año en que se publicó, 1928 en este caso. El resultado es una película muda, en blanco y negro, filmada usando el proceso "Mythoscope" (creado por la HPLHS), una mezcla de técnicas antiguas y modernas. ¿El resultado en cuanto a calidad? Una de las películas más frescas y gratificantes que haya yo visto en mucho tiempo.

The Call Of Cthulhu sigue fiel y estrictamente la narrativa de su original impreso, apegándose incluso a sus capítulos: The Horror in the Clay, The Tale of Inspector Legrasse y The Madness from the Sea. La gran mayoría de los diálogos (cartelas, en este caso) son citas textuales del cuento, escogidas prudentemente para lograr contar la historia lo más claramente posible. En este sentido, ninguna licencia fue tomada, al grado incluso de que podríamos decir que el mismísimo Lovecraft supervisó la adaptación. Impecable. Los personajes, continuando, están muy bellamente caracterizados, desde el aterrado narrador hasta el demente Castro. Sin duda, veremos aquí un trabajo dignísimo de actores prácticamente desconocidos pero con un evidente amor a lo que hacen. El elenco de esta película logra reproducir ese histrionismo que caracterizó a los actores del cine de los años 20's, ese gesticular tan difícil pero tan poderoso. Y, si hablamos de poder, ¿qué podría decirse del diseño de arte? Brutal, simplemente. Hace mucho tiempo que no veía un ingenio tan agudo en una película, la manera en la que resolvieron el diseño de escenarios es verdaderamente extraordinaria; prácticamente nivel Caligari. Su versión de la ciudad hundida de R'lyeh está perfectamente lograda, consiguiendo un set terriblemente escalofriante, potente, plástico y poético; construído, nótese, sólo con papel, el mar hecho de tela ondulante. Toma nota, Michael Bay, de lo que la verdadera creatividad es capaz de lograr.

También destacado es el score sinfónico escrito para The Call Of Cthulhu, que logra traducir en sonido las siniestras cualidades que Lovecraft plasmaba en su escribir. Me gusta muchísimo, en particular, la música durante la secuencia en el pantano de Louisiana. Delirante, tribal, escalofriante, acompaña a las imágenes que vemos en un grotesco maridaje, presagiando los horrores por venir.

En general, queridos lectores de ¡Susto! y Aparte, esta adaptación cinematográfica es un triunfo estético como pocos ha logrado el cine de terror últimamente. Los efectos especiales no los defraudarán, los escenarios, como dije, están realizados por verdaderos y prominentes artistas y, yo se que quieren saber... El gran Cthulhu, hecho en stop-motion, los va a dejar boquiabiertos. Se los garantizo. Debo decir, amigos míos, que me encanta ver esta clase de maravillas del cine independiente; me encanta reafirmarme que la voluntad, el talento y la creatividad no conocen límite alguno. Ojalá hubiera en el mainstream más gente como toda la que trabajó en The Call Of Cthulhu, más gente comprometida con su trabajo y con el arte, pero sobre todo con su público, al que quieren entregar una obra de intachable calidad. Y sí, amigos míos, con dos centavos de presupuesto. De verdad, me quito el sombrero ante estos señores. Espero que puedan realizar más adaptaciones en un futuro, pues ya con esta sola se ganaron interminables ovaciones de pie en muchos festivales del mundo, y toda la simpatía de aquellos que amamos la obra de Howard Philip Lovecraft en general, y los Mitos de Cthulhu en particular.

Redundante al decirlo, ¡Susto! y Aparte recomienda esta película enérgicamente, y les recuerda que no está muerto aquello que puede eternamente yacer, y en extraños eones incluso la muerte puede morir. Véanla pronto, pues en su casa hundida en R'lyeh, Cthulhu el muerto espera durmiendo, no vaya a despertar y venir por ustedes antes de que conozcan esta película que hoy se va con cinco aberrantes, incomprensibles y ciclópeos diablos:

Rosemary's Baby

(El bebé de Rosemary)

Dirigida por Roman Polanski

Escrita por Roman Polanski (basado en la novela de Ira Levin)

Con Mia Farrow y John Cassavetes

Música de Krzysztof Komeda

Paramount Pictures

Estados Unidos, 1968

136 minutos

Esta segunda entrega de la Trílogía de los Departamentos de Polanski (junto con Repulsion (1965) y Le Locataire (1976)), es una película extraordinaria. Siendo su debut en los Estados Unidos, Polanski hizo gala de su gran talento artístico con una película macabra, misteriosa, intrigante, sumamente plausible y que, aún dado lo anterior, logra mantener un extraño sentido del humor de principio a fin. Perfecta en su realización y sublime en su trasfondo, Rosemary's Baby es verdaderamente un hito en la narrativa de terror/misterio.

Creo que la mayor virtud de esta película es lo real que es. Polanski, además de haber hecho una de las mejores adaptaciones de un libro jamás, consiguió traducir toda la idiosincrasia de una época en su narración, valiéndose de ella y de los sucesos del año en que se desarrolla para dotar a Rosemary's Baby de una credibilidad pocas veces vista, y las impecables actuaciones de todo el elenco (destacadísimos Mia Farrow, John Cassavetes y Ruth Gordon) completan el hechizo. Esto crea, a mi parecer, un sentido de universalidad que seguirá vigente mientras exista el mundo moderno, pues podremos seguir identificándonos con los personajes, la situación en la que se ven envueltos y la interpretación que hacen de la misma.

Para adentrarnos en este asunto, podemos comenzar diciendo que Rosemary's Baby trata temas muy básicos, enfocados desde la perspectiva del hombre pequeño, del vecino de al lado, en un momento histórico en que tales merodeaban la conciencia general. La historia gira en torno al miedo y la repercusión psicológica del embarazo, en un momento en que las píldoras anticonceptivas, el aborto y la liberación sexual estaban adentrándose profundamente en la sociedad. Como mencione antes, este tema es tratado no en una heroína, sino en una chica cualquiera, frágil como todos, indefensa ante las circunstancias que la envuelven; lo que trabaja completamente a favor del realismo de la película. Polanski construye la narración con verdadera maestría, ayudando al espectador a entender a Rosemary y hacer suyo su delirio, sus interpretaciones oníricas y el pánico que la invade. También universal es la mentalidad de su marido (Cassavetes), quien sufre de una terrible frustración egocéntrica, fruto de la competitividad del moderno Manhattan, que lo deshumaniza al grado de estar dispuesto literalmente a lo que sea con tal de tener un pequeño estímulo profesional. Y, desde luego, encontraremos la temática presente en el resto de la trilogía: el miedo a la vida en la gran ciudad, al bloque de departamentos donde uno tiene que convivir con cientos de extraños, el sentido de pérdida de la privacidad y la creciente paranoia, así como la lucha de la joven pareja clasemediera por sobrevivir en un mundo hostil. También veremos reflejada en Rosemary's Baby la pérdida de fe en las grandes figuras político-religiosas, en el mundo del conocimiento y la vanalización de la ciencia. Los personajes más sabios (Hutch, por ejemplo), el médico y el Papa (aunque sea en implicación) se muestran impotentes, inservibles y ridículos ante el peligro que acecha en el pequeño mundo cotidiano, el peligro de la superstición y la verdad que puede haber detrás de ella. Todo manejado magistralmente.

La película se construye lenta, paso a paso, sin tener prisa jamás. Polanski se toma su tiempo para crear el ambiente de familiaridad tan necesario para que Rosemary's Baby funcione, pues todo el terror se basa en ella. No hay en Rosemary's Baby ni un momento en que se recurra a sustos baratos ni plot twists. Desde muy temprano en la película (con la secuencia onírica de violación), el desenlace va quedando muy claro, sin embargo Polanski no lo vanaliza ni hace que perdamos el interés un solo segundo. Con muchas pistas, anagramas e historias del pasado que se mezclan con el presente, el espectador queda más en un papel de suplicar que Rosemary descifre lo que el ya sabe, sintiendo junto con ella la angustia del mundo que se vuelve cada vez más extraño, más irreal, más fantástico. Todo lo que al principio fuese cotidiano y seguro va convirtiéndose en algo imposible de abarcar psicológicamente, perdiendo toda fortaleza y sentimiento de seguridad. En Rosemary's Baby uno queda expuesto, endeble ante personas de las que no hubiera podido esperarse peligro alguno; de los amables viejitos del departamente de al lado que podrían ser nuestros abuelos. Y, como mencionaba yo al principio, hay un extraño humor presente en toda la película que, lejos de presentar un resguardo para el espectador, contribuye para generar la atmósfera macabra que hace a esta película inolvidable. Incluso el terrible desenlace es presentado de manera relajada, hogareña, sin rastro alguno de la rimbombancia que podría esperarse al tratar una temática similar. Definitivamente, solo un cineasta del calibre de Roman Polanski puede ser capaz de mezclar dos esferas completamente distintas, la del mundo cotidiano con aquel del más terrible peligro sobrenatural de manera tan satisfactoria.

Queridos lectores, Rosemary's Baby es uno de los grandes ejercicios fílmicos del siglo XX, absolutamente recomendada tanto para fans del género como para cinéfilos en general. Por ser una gran obra maestra, perfecta, trascendente y vigente aún para los años venideros, ¡Susto! y aparte la reconoce con 5 muy bien merecidos diablos y recomienda al lector no dejar de verla:

The Haunting (1963)

(El Embrujo)

Dirigida por Robert Wise

Escrita por Nelson Gidding

Con Julie Harris y Richard Johnson

Música de Humphrey Searle

MGM

Estados Unidos, 1963

112 minutos

"An evil old house, the kind some people call haunted, is like an undiscovered country waiting to be explored.

Hill House had stood for 90 years and might stand for 90 more.

Silence lay steadily against the wood and stone of Hill House, and whatever walked there... walked alone."

Así comienza, estimados lectores, esta película basada en la novela "The Haunting of Hill House" de Shirley Jackson; con toda seguridad una de las mejores, si no es que la mejor pelíucula de casas embrujadas jamás hecha. Lúgubre, intensa, profunda; The Haunting es un ejercicio narrativo de primer nivel, en el que todos los elementos tradicionales del cuento gótico de terror confluyen para crear una pieza inolvidable. Con una fotografía impresionante, una calidad actoral/directiva impecable y un muy sutil manejo del elemento sobrenatural, The Haunting logra construir una atmósfera que pocas películas han logrado, por lo que no es de extrañar que aún hoy esta producción de los 60's siga sorprendiendo.

¿La historia? Muy sencilla. Un antropólogo (Richard Johnson), con un enorme interés en la parapsicología, decide investigar la famosa Hill House en busca de alguna pista que pueda conducrilo al entendimiento del más allá; para lo que se vale de un grupo de personas que se han visto afectadas o involucradas de alguna manera con fenómenos paranormales; creyendo que estos potenciarán la actividad parapsicológica de la lúgubre casona. Así es, muchas veces las buenas películas de terror se van a lo básico. Sin embargo, lo que separa a The Haunting de otras producciones es el nivel de profundidad al que está trabajada. La psicología de los personajes está construida de manera tal que, además de que es imposible no involucrarse en la historia, hace que todo sea mucho más creíble, le da a la totalidad de la obra otra dimensión por completo. Y estos personajes van encajando, como engranes, en la máquina de la película; desatando algo que, una vez que comienza, es imposible detener: bienvenido, mundo de lo paranormal. Agreguemos a la mezcla la fotografía y el diseño de arte, que nos entregan tomas y encuadres de una potencia extraordinaria; uno no puede dejar de ver periféricamente, esperando a ver algo en el rabillo del ojo, completamente perturbador. La luz adquiere un papel narrativo clave; el manejo del claroscuro y el alto contraste es primordial para crear la atmósfera que le es esencial a esta película. Todo esto sin mencionar todo el lore paranormal del que se vale The Haunting, entregando todo lo que uno esperaría encontrar en un buen cuento de fantasmas, como la introducción narrada que reproduje al principio de esta entrada y que es más que suficiente para ponerte en el mood indicado.

Al avanzar este blog tal vez noten, estimados lectores, mi preferencia por este tipo de historias. Dentro del género de terror, los cuentos sobrenaturales son los que más me atraen, por razones que no son todas de índole personal: las buenas historias sobrenaturales son mucho más difíciles de construir, tienen menos posibilidades de valerse de grotesquerías y emociones baratas y, en general, suelen tener un mayor grado de interés. Puedo decir, sin duda alguna, que The Haunting es un excelente exponente de estas virtudes. Si están buscando una buena película del más allá, este es un muy buen lugar para empezar. Adéntrense en Hill House, exploren sus misterios y descubran qué es eso que camina solo dentro de sus muros... si se atreven (muahahahahha!).

En fin, la influencia de esta película fue grandísima en la narrativa tradicional de terror en el celuloide. Desde el muy mal remake de 1999 con Catherine Zeta Jones y Liam Neeson hasta la Rose Red de Stephen King (un extraordinario homenaje tanto a la película como al material original, la novela de Shirley Jackson), The Haunting ha embrujado las pantallas con su sello desde que vió la luz. Esta, amigos míos, es una de esas películas que no se pueden morir sin ver, y por ser verdaderamente imprescindible, ¡Susto! y aparte le otorga 5 bien merecidos diablos:

An American Werewolf in London

(Un hombre lobo americano en Londres)

Dirigida por John Landis

Escrita por John Landis

Con David Naughton y Jenny Agutter

Música de Elmer Bernstein

Universal Pictures

Estados Unidos - Inglaterra, 1981

97 minutos

No existe nadie en el mundo capaz de mezclar el terror y la comedia como lo hace John Landis. Nadie. Y esta película es su manifiesto.

An American Werewolf in London es un verdadero triunfo, una de esas películas que perduran a través los años sin perder ni un gramo de su frescura; erigiéndose aún como una de las más grandes del género. Todo en esta obra maestra de John Landis conspira para hacerla inolvidable: un guión impecable, actuaciones brillantes, un acompañamiento muscial sumamente atinado, efectos especiales sin precedente y un trabajo de dirección virtuoso. Ah, he visto esta película cientos de veces y nunca me voy a cansar de ella. Pero en fin, dejemos un poco de lado mi intenseada y veamos:

Eres un chavo gringo, mid-twenties, mochileando en Europa con tu mejor amigo, ¿qué puede salir mal?. Vagabundeando por ahi, te encuentras con que estás perdido en East Proctor, un lugar rural y sombrío del norte de Inglaterra, cuando topas por fin una taberna llena de curiosos personajes locales. Consternados, estos personajes te piden que no te alejes del lugar, you know, con todo esto de que está anocheciendo, la neblina y la luna llena... Si no les haces caso, estás en An American Werewolf in London. Llena de suspenso, emociones bien manejadas y muchas sospresas, esta película está garantizada para entretener a cualquier tipo de espectador, tanto por las partes terroríficas como por el humor negro que, como ya he comentado antes, Landis ejecuta con total dominio. Me gustaría ser particularmente enfático en los efectos especiales y de maquillaje que para esta producción creó el legendario Rick Baker, que le merecieron un premio Saturn y un Oscar. Para el que vea esta película por primera vez, puedo asegurar que la escena de transformación licántropa le dejerá perplejo, algo no muy común para las producciones de este período; y el hombre lobo ya transformado no fallará tampoco en sorprender. En este sentido, la producción de An American Werewolf in London sentó un precedente de calidad en Hollywood y posteriormente iban a verse otras obras partiendo de él. Cabe destacar que en este mismo año vieron la luz otras dos producciones legendarias de Hombres Lobo, Wolfeen y The Howling (de la que Baker también estuvo a cargo de los efectos), que criticaremos posteriormente.

La música de esta producción, como mencioné antes, es de lo más atinado. El score, a cargo del grande Elmer Bernstein, tiene la calidad que su nombre implica; lúdica a veces, lúgubre en otras, todo un booster de la producción. Sin embargo, debo decir que toda la gloria musical de esta película corresponde a las canciones incidentales que Landis escogió, todas en torno a la luna: Blue Moon en la versión de Bobby Vinton, Bad Moon Rising de Creedence Clearwater Revival y Moondance de Van Morrison son algunos de los temas que le dan a la película ese carácter lúdico que le es característico y la hace inolvidable. Pocas veces he visto canciones tan bien metidas, tan expresivamente, en una película.

Un hombre lobo suelto en Piccadilly Circus, una secuencia de pesadilla impactante, reuniones de muertos en un cine porno y un romance juvenil son algunas de las cosas que van a encontrar en An American Werewolf in London. ¡Susto! y aparte recomienda esta película al 100% por ser impecable, divertida, única y original; otorgándole 5 merecidos e insuficientes diablos:

BONUS: Busquen la banda sonora de An American Werewolf in London en los comentarios.