Stephen King's IT (1990)

(Eso)

Dirigida por Tommy Lee Wallace

Escrita por Lawrence Cohen y Tommy Lee Wallace (basados en la novela de Stephen King)

Con Tim Curry, Richard Thomas y Annette O'Toole

Música de Richard Bellis

ABC - Warner Bros. Television

Estados Unidos - Canadá, 1990

192 minutos

"I'm every nightmare you've ever had. I'm your worst dream come true. I'm everything you ever were afraid of."

Coulrofobia: El miedo irracional a los payasos. Una de las fobias más comunes de la época postmoderna, fenómeno que yo atribuyo (amén de mis escasos conocimientos de psicología y sociología) a dos cosas principalmente: primero, sin duda, la terrible historia de John Wayne Gacy y luego la impresión que en más de uno de mi generación provocó Stephen King's IT. Conozco aún a mucha gente que tiene miedo de irse a bañar o que se intranquiliza al escuchar el Para Elisa de Beethoven. Gente que, aún en su adultez, no puede ver un payaso sin sentir un tremendo escalofrío. Esta producción de 1990, estimados lectores, todavía ronda en la sombra de nuestros pensamientos, su recuerdo continuamente nos lleva a las frías y lluviosas calles de Derry, Maine; donde nos encontrásemos frente a frente con nuestras peores pesadillas. Los invito, amigos, a que caminemos juntos dentro de la mente de Stephen King y sintamos nuevamente el delicioso terror.

Dicen muchos, y dicen bien, que esta miniserie televisiva es memorable gracias a la actuación de Tim Curry como Pennywise, the Dancing Clown (Robert Gray, como tal vez recuerde alguno que otro clavado como yo). Algunas anécdotas relatan que nadie se acercaba a Curry durante la filmación, pues su caracterización era tan terrorífica que a los demás actores les costaba trabajo olvidar que no era real. Sin embargo, Stephen King's IT tiene muchos otros valores que la hacen una pieza muy digna de admirarse y tener en nuestra videoteca.

Si alguno de ustedes ha leído la novela, estará de acuerdo conmigo en que sus titánicas dimensiones (tanto en longitud como en profunidad) la hacen una obra muy, muy difícil de llevar a las pantallas; y yo opino que los encargados de esta adaptación hicieron un trabajo espléndido. Lograron llevarnos a aquel encantado pueblo en el que el Club de los Perdedores (los entrañables personajes Bill Denbrough, Beverly Marsh, Richie Tozier, Eddie Kaspbrak, Mike Hanlon, Ben Hanscom y Stan Uris) enfrentaron a esta extraña entidad que los uniera irremediablemente y los hiciera regresar, siendo adultos, a cumplir una promesa: destruir a eso. Eso. Eso. Qué concepto, señores. El miedo es una de las emociones más fascinantes de las que es capaz el hombre, pero es muy difícil de disectar como concepto en ficción pues cada cual le teme a cosas distintas. La solución que Stephen King nos plantea en su obra es asombrosa: eso es tu peor pesadilla... tú ponle nombre. Cada quien verá lo que quiera ver, lo que lo destruye, lo que le remite a la más profunda obscuridad que es capaz de imaginar. Eso no tiene nombre, no tiene forma, no tiene límite. Nuestros personajes escogen ver a un payaso, sí, pero también un hombre lobo, un leproso, un ave gigante, un niño muerto, una anciana demoníaca o simplemente sangre que brota del lavabo. Esta fuerza abrumadora, en apariencia invencible, tiene una influencia mágica en Derry, pueblesillo imaginario de Nueva Inglaterra; durante siglos incontables se ha manifestado sacando lo peor de una comunidad... de una comunidad que no quiere ver. King crea una atmósfera terrible, lánguida, onírica. La historia nos hace involucrarnos profundamente con sus personajes, incluso con aquellos como Henry Bowers, el infrenable bully que termina sus días como un psicópata; y nos lleva de la mano a un viaje que, una vez que comienza, es imposible abandonar. Pero hay algo aún mayor, estimado lector, que hace para mi de IT una historia tan trascendente: no importa qué tan negro el panorama, qué tan terrible lo que nos rodea... la verdadera amistad, el valor y la integridad jamás podrán arrancársenos y nos ayudarán a librar toda batalla. Es en la unión que Bill Denbrough y sus amigos son capaces de enfrentar algo que ni siquiera pueden empezar a comprender, es su amistad la que los conduce a librar a su añorado Derry de las garras del miedo.

Tal vez por eso el primer capítulo de esta miniserie es la parte mejor lograda. El recurso del flashback mediante el cual nos cuentan su experiencia los protagonistas se permea de una nostalgia tan añorable que nos tiene atrapados desde el minuto uno, haciéndonos recordar nuestra propia infancia y las cosas que nos asutaban, la gente que nos molestaba y los problemas que teníamos (o creíamos tener). El magnífico score de Richard Ellis acompaña nuestra travesía, reforzando el mood general de la producción; y el arte de la fotografía nos mantiene lluviosos, tapados, impermeables, aunque afuera de la pantalla haga un sol de locos. Una producción sin duda muy cuidada, pero que en el segundo episodio decae un poco. El regreso en la madurez a Derry carece un poco de la fuerza que debiese tener. En la novela, incluso, estas dos partes no están tajantemente separadas y se mezclan una con la otra, algo que si se hubiese aprovechado mejor tal vez le hubiera dado un mayor gancho a la obra total. Las explicaciones metafísicas que tenemos en el orginal se pierden en esta segunda parte de la adaptación y nos quedamos un poco con algo que tiene más que ver con el slasher ochentero, cosa que ha mostrado ser un deal-breaker par muchos fans de la obra de Stephen King, entre los que me incluyo. Sin embargo, esta parte no carece del todo de fuerza y nos manitene viéndola hasta el final; y nos deja con un sabor de boca que, a mi gusto, pocas producciones televisivas han logrado conseguir. Un sabor sanguinoliento e insectoso, sí, pero único.

Queridos lectores, el impacto que Stephen King's It tuvo en toda una generación es innegable, y eso le da un lugar especial en ¡Susto! y Aparte. A todos aquellos que tuvieron pesadillas con Pennywise los invito a volver a ver esta gran película, que se sumerjan de nuevo en el mundo retorcido de uno de los autores más reconocidos de las últimas décadas y que, antes de plantarse frente a la pantalla, recuerden las sabias palabras de Bill Denbrough: "Be true, be brave, stand. All the rest is darkness". Por ser una película que se enraizó en la memoria colectiva, además de estar hecha con indiscutible talento, ¡Susto! y Aparte le otorga a Stephen King's IT cuatro punto cinco payaseantes diablos:

Bonus: Por nuestro escalofriante regreso, ¡Susto! y Aparte te regala el Soundtrack de Stephen King's IT. Nunca se editó comercialmente, por lo que es una adición extraña para tu colección. Busca el link de descarga en los comentarios.

Carnival Of Souls

(Carnaval de Almas)

Dirigida por Herk Harvey

Escrita por John Clifford y Herk Harvey

Con Candace Hilligoss y Sidney Berger

Música de Gene Moore

Herts - Lion International Corp.

Estados Unidos, 1962

78 minutos

Ah, las joyas de los obscuros 60's, uno nunca sabe lo que le espera con ellas. Adquirí recientemente Carnival Of Souls en la edición de Zima Entertainment, parte de su colección "Películas de Culto" que, por cierto, es sumamente recomendable. Son DVD's que no cuestan más de $60 y que han hecho disponibles para el público mexicano películas que antes era muy, muy difícil conseguir, como Night of The Living Dead, Profondo Rosso, The House on Haunted Hill (la versión original con Vincent Price) y The Little Shop of Horrors, entre otras. Sin duda una excelente opción para todo coleccionista o quien simplemente quiera añadir un par de buenas películas de media noche a su acervo cinematográfico. Pero bueno, después de mi spot publicitario (por el que, les juro, no he recibido ni un centavo), adentrémonos en el mundo de esta producción de bajo presupuesto.

Carnival of Souls, amigos míos, es una película extraña, de narrativa poco convencional. La historia gira en torno a Mary Henry (Candace Hilligoss), una mujer joven y de peculiar belleza, quien sobrevive inexplicablemente a un accidente automovilístico (el auto en el que viaja con sus amigas se despeña de un puente y cae al lago). Después del incidente, consigue un trabajo en Utah como organista en una iglesia, y es ahí donde todo empieza a cambiar: Mary es constantemente acosada por una terrible aparición, la imagen espectral y pálida de un hombre que está en cada rincón, en cada esquina, en todos lados donde nuestra protagonista este presente; y más sucesos extraños comienzan a sucitarse: esos episodios deseperantes en los que nadie la escucha, todo se enmutece y es incapaz de comunicarse con la gente que la rodea, y su delirante obsesión con un parque de diversiones decrépito y abandonado. Todo lo que la rodea se vuelve ajeno, incomprensible, aterrador. Así, Mary intentará enfrentar la absoluta irrealidad en la que su vida se ve inmersa, debilitada por sus propios problemas existenciales y psicológicos, que llevarán la película a un twist ending delirante. Aunque hecha muy baratamente, con fotografía granulosa, un guión muy sencillo y actuaciones no muy destacadas, Carnival of Souls es una película sumamente efectiva y escalofriante, un hito en el terror psicológico.

No me gusta, sin embargo, catalogar esta película como de bajo presupuesto: Carnival of Souls no se trata de dinero ni de grandilocuentes valores de producción, sino de lo que se puede lograr con solo una cámara y aditamentos básicos de edición, el cine por el cine, podría uno decir. En este sentido, la película hoy reseñada tiene mucho de cercano a las ideas del cine puro, manifestadas a cabalidad en otros títulos como Citizen Kane, The Seventh Samurai y Battleship Potemkin. El espectador debe quedarse con la sensación de que no vió una película, sino que vivió una experiencia; no existe un solo elemento que sobre, todo es puro, básico, esencial. Gracias a estas ideas de fondo, la película logra funcionar en muchos niveles, siendo primero una excelente historia de fantasmas, luego un thriller psicológico con aires surrealistas y un análisis crudo de la indiferencia femenina, del frígido deshumanizarse de la mujer, y del puritanismo de la sociedad estadounidense. Me gustaría destacar, ya que estamos en esto, que por aquellos años Herk Harvey (documentalista), tenía la intención de filmar películas basándose un poco en el cine de Ingmar Bergman y de Jean Cocteau. Podría uno pensar, dada tal titánica ambición, que el producto hubiera resultado ser un absoluto fracaso, de un director desconocido y sin recurso alguno. Pero, ah, aquí entra el recurso más importante de todos, la imaginación, y tenemos que esta única película no-documental de Harvey es una obra maestra. Herk Harvey demostró en Carnival of Souls su magistral dominio de la cámara y la dirección, y una capacidad casi mágica de sacar algo de la nada. El director construye la película con un ritmo impecable, con un manejo de cámaras bellísimo. Siento, incluso, que Harvey creó en esta película estándares que serían explotados por el cine mainstream muchos años después, como la escena en la que los fantasmas bailan en el parque de diversiones: el ritmo acelerado, sobrenatural, irregular, escalofriante con el que se mueven y reaccionan los seres del más allá... ¿Qué se puede decir? No recuerdo haber visto una sola película de fantasmas de finales de los 90's-00's que no haya usado este concepto de una manera u otra. Qué escena tan aterradora, no saben. Es Perfecta. Estoy seguro que todo el que la haya visto en los 60's tuvo pesadillas.

Continuando, otra de las cosas que hace a Carnival of Souls toda una experiencia de ver es el arte visual, en general. Los escenarios que escogieron para esta producción son perfectos, nada menos. El famoso edificio este del parque de diversiones abandonado es una cosa única, horriblemente fantasmal, desolado, pero también poético y, en conjunción con la narrativa, un tanto sensual. Me recuerda un poco, de hecho, a los lugares en los que Stephen King plasma su prosa: este famoso edificio podría estar en Derry, Maine. También en otros aspectos, como el maquillaje minimalista de los fantasmas, se nota el talento de los artistas visuales. La película, por sus ya mencionadas cualidades puristas, logra que uno se meta por completo en ella, dejando a un lado un poco la mentalidad crítica, solo experimentando; y es así que cuando estos espectros se manifiestan en la pantalla de verdad que sobresaltan, asustan, tocan fibras muy adentro. De verdad, esto es fruto solamente de una dirección maestrísima, insisto. Vamos, la dirección es tan buena que logra que actores que no son tan buenos tengan un sentido en la pantalla: en vez de ver gente que no actúa muy bien, vemos gente que se comporta de manera extraña, obtusa, intranquilizante. En el caso de Candace Hilligoss, por ejemplo, se logra explotar muy bien su feminidad, su frialdad, su quasi-felina actitud... su indiferencia. Y, para terminar, la música de Carnival of Souls es un perfecto acompañante, música de órgano exclusivamente, editada muy bien con el resto del sonido (y no-sonido) de la película para contribuir a la atmósfera en la que nos sumerge... y que bueno que meniconé esto: si tiene una gran cualidad esta película, se llama atmósfera. Terrible, intranquilizante, escalofriante y obscura atmósfera.

Amigos míos, Carnvial of Souls es una película muy obscura, profunda y francamente aterradora. No es una película impecable, nótese, pues existen varias fallas de edición y timing por ahí, aunque estas se deben no a una falta de talento sino a una carencia casi abrumadora de recursos económicos. Pero, sin lugar a dudas, es una película merecedora del estado de culto que goza, muy digna de verse y absolutamente recomendable para todo aquel que se le antoje tener pesadillas de vez en vez. ¡Susto! y Aparte hoy reconoce a Carnival of Souls, por su fuerza, impacto e influencia con 4.5 inciertos y macabros diablos:

Profondo Rosso

(Rojo Profundo)

Dirigida por Dario Argento

Escrita por Dario Argento y Bernardino Zapponi

Con David Hemmings y Daria Nicolodi

Música de Goblin

Seda Spettacoli

Italia, 1975

126 minutos

No creo que sea necesario presentar ante ningún conocedor al indiscutible rey del giallo, pero bueno: Dario Argento, señoras y señores; nombre legendario en el celuloide obscuro, amo y señor del euroterror, que será tema nuestro en esta ocasión con una de sus obras maestras: Profondo Rosso.

Dario Argento es uno de los artistas que ayudaron a forjar el terror moderno, de los que abarcaron el género con mayor prominencia y, sin duda, uno de los directores más influyentes del cine de horror. Logró desarrollar, entre finales de los 60's y mediados de los 80's, toda una serie de características en su obra que la hacen verdaderamente única, con un muy particular acento en el arte visual (posiblemente uno de los directores más barrocos de la historia), características que veremos con mucha claridad en Profondo Rosso. En este thriller psicológico, Argento pudo por primera vez explotar sus sensibilidades cabalmente, entregando una película que hoy goza de un muy buen estado de culto.

Un músico inglés de jazz radicado en Roma (David Hemmings) atestigua el asesinato de su vecina, una mujer psíquica que había estado temiendo por su vida, pero no logra identificar al asesino. Al llegar la policía y la prensa, comienza una alianza con la reportera Gianna Brezzi (Daria Nicolodi) para tratar de esclarecer el asunto al verse obsesionados por ciertos detalles del crimen, buscando pistas y señales que puedan conducirlos a la respuesta; sin saber que se han involucrado en asunto que desatará aún más horror y sangre. A diferencia de otras producciones de Argento, el guión de Profondo Rosso está muy, muy bien trabajado y logra ser verdaderamente intrigante y misterioso. El director italiano riega pistas por toda la película que pueden ayudar al espectador detallista a resolver el misterio, y construye una tensión impresionante, que logra llegar al plano emocional contundentemente. Argento crea un subtexto delicioso, muy metafórico y a veces surrealista, con una serie de tomas y detalles del guión que hablan de la proficiencia de un buen narrador. El final es absolutamente inesperado, hay un par de giros narrativos que logran confundir a quien por primera vez ve Profondo Rosso y mantenerlo al filo del asiento. Desde luego encontraremos mucha sangre, como en la mayoría de su obra, pero los asesinatos de esta película merecen una mención especial: Argento quiso retratar dolor con el que el público pudiera identificarse. ¿Qué significa esto? Pues casi nadie sabe cómo se siente un impacto de bala, pero puedo asegurar que todos sabemos lo que se siente cortarse o quemarse con agua caliente... y ya, no diré más al respecto. Desde luego también veremos los típicos detalles argentescos, como el asesinato visto a través de una ventana o la toma en primera persona de las manos del asesino (la famosa Toma Argento en el argot cinematográfico).

Sin embargo, como recalqué al principio, la obra de Argento destaca sobre todo por su arte visual. El director logra transmitir perfectamente la frialdad psicológica de un asesino, a través de un cuidadoso manejo de la luz y el contraste, un manejo de profundidad de campo impresionante y, desde luego, la personalidad que el director lograba dar a los espacios que utilizaba. Como en otras de sus producciones, nos encontraremos con sets grandilocuentes, exagerados, cuidadísimos, poéticos y, desde luego, protagónicos, algo de cualidades prácticamente de Gran Guiñol; idea reforzada por las tomas de ciertos objetos cotidianos, juguetes y detalles mórbidos que ayudan a construir toda una atmósfera de intranquilidad. Y en cuanto al resto de los factores que potencían esta película...¿qué decir de la banda sonora? A cargo de la banda italiana Goblin, la música también se vuelve un tanto protagónica y muy expresiva. Me parece, de hecho, que toda la música que hizo Goblin para películas de Dario Argento merece considerarse dentro de los mejores soundtracks de películas de terror de la historia. Verán cómo logran conducir al espectador a un estado mental necesario para entrar en la historia, cómo logran dejarnos intranquilos con algo tan bien hecho (habría también que escuchar, para este efecto, la música de Suspiria; obra maestra de Argento).

En fin, Profondo Rosso es una película sumamente buena, esquizofrénica, gótica, sangrienta, intrigante y muy artística; más que recomendada por ¡Susto! y aparte. En mi opinión solo superada por Suspiria en la obra de Dario Argento, Profondo Rosso es una película imprescindible para cualquier verdadero fan del género y se va hoy con 4.5 bien ganados diablos:

BONUS: Como siempre, ¡Susto! y aparte se enorgullece de compartir con sus lectores. Busquen el link para descargar la banda sonora de Profondo Rosso en los comentarios.

Drag me to Hell

(Arrásrtame al Infierno)

Dirigida por Sam Raimi

Escrita por Sam e Ivan Raimi

Con Alison Lohman y Justin Long

Música de Cristopher Young

Ghost House Pictures

Estados Unidos, 2009

99 minutos

Bien, vamos a arrancar con la última película del ya veterano Sam Raimi, que aunque ya no es estreno tan reciente, no quiero dejar pasar la oportunidad de criticar.

Creo que todos los aficionados al género nos emocionamos, con justa razón, al saber del regreso de Raimi al celuloide horrorífico. El director, que ha sido recientemente aclamado por su trilogía de Spider Man, dió sus primeros pininos en el mundo del cine con su saga de The Evil Dead, películas extraordinarias (las criticaremos en futuros posts) que dieron a Raimi un status inmediato como director de culto y que dejaron clara la manera en la que enfoca todo el asunto del terror: no te lo tomes tan en serio. Y vaya que lo consagró con Drag me to Hell.

Una de las cosas tan maravillosas de esta película es la sencillez de su guión: Una chica (Alison Lohman), asistente bancaria en busca de un ascenso, le niega una prórroga de pago a una tal señora Ganush (Lorna Raver), quien resulta ser una bruja gitana que, al verse humillada por la negativa, la hace objeto de una terrible maldición. Asi es, de lo más básico, de lo más concreto, y trabajado con absoluta maestría. Raimi, como siempre, no duda de valerse de los recursos menos ortodoxos, del shock puro: dentaduras postizas en un estado deplorable, pañuelos con substancias mejor no descritas y peleas que arrancan más de una risa... y es que eso es, al final del día, Drag me to Hell: una parodia no declarada de los clichés del cine de terror, una película autocrítica que entrega lo que promete y no falla en agradar al espectador por su manejo tan fino del humor; sin dejar de ser, en ciertos momentos, verdaderamente escalofriante.

Con efectos especiales brillantes, Raimi logra por primera vez entregar un blockbuster terrorífico que cumple con todos los estándares hollywoodenses, cosa que no había podido lograr, por ejemplo, con la saga de The Evil Dead, que se vió limitada por presupuestos muy pequeños. Sin embargo, la película en ningún momento depende de dichos efectos, sino que logra construirse en base a un trabajo narrativo impecable, con cada gag y cada susto perfectamente cuidado, que no habla de otra cosa más que de la destacada formación de Raimi como cineasta. Raimi hace que todo funcione a su favor, desde las actuaciones hasta los timings de las escenas.

Otro de los enormes aciertos de Drag me to Hell es su banda sonora, a cargo del también veterano Christopher Young (Hellraiser). Young logró crear un score que transmite perfectamente el espíritu de la película: exagerada, lúgubre, cliché, grandilocuente. Puedo decir, en general, que la edición de sonido (incluída la banda sonora) está manejada con verdadero talento, todo cabo atado y toda idea reforzada por la potente música de Young. Habría que juzgar si el OST tiene la calidad necesaria para ser un stand alone, pero dejémos que el lector decida eso por si mismo. Quisiera solamente recalcar la vital importancia de una buena banda sonora para darle a la película, del género que sea, toda otra dimensión; cosa que, sin lugar a dudas, sucede con la última entrega del equipo Raimi-Young.

En fin, el lector sabrá el buen sabor de boca que siempre deja una película bien hecha. Bien por la sencillez de Arrástrame al Infierno, bien por su potencia, bien por ser una película para nada pretenciosa y que funciona en todos los niveles que la industria implica. Bien por las buenas películas, necesitamos muchas más de estas. Voy a conlcuir esta primer crítica reiterando que Drag me to Hell viene ampliamente recomendada por ¡Susto! y aparte, si se la perdieron en el cine, no dejen de buscarla en DVD o BluRay. Siendo una película muy entretenida, divertida, escalofriante y bien construída, ¡Susto! y aparte le otorga cuatro y medio merecidos diablos:

Actualización: Como bonus especial por su primer reseña, ¡Susto! y aparte tiene un obsequio para sus lectores. Encuéntrenlo en los comentarios.